ガレリア・イスカ通信

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2016年 09月 07日

ロドルフ・ブレダンの銅版画「Intérieur Flamand (Flemish Interior)」(1861)

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友人の文筆家アルシド・デュゾリエ(Alcide Dusolier, 1836--1918)が著した『これは本ではない(Ceci n'est pas un livre,1860)』の一章「兎をつれた巨匠(Le Maître au Lapin)」として、トゥールーズ滞在中の様子を紹介されたフランス19世紀のデッサン家、版画家ロドルフ・ブレダン(Rodolphe Bresdin,1822-1885)。そのブレダンが1856年に制作したエッチング「フランドルの農家の室内(Intérieur Flamand)」(V.G.,86)に興味を抱いたのは、それより200年以上も前の17世紀オランダ黄金時代の風俗画家アドリアーン・ファン・オスターデ(Adriaen van Ostade, 1610-1685)が1647年頃に制作したエッチング「家族(The Family/ La Famille)」(G.46)(註1)の構図との類似性を感じたからであるが、ブレダンの作品を実際に手に取って見ると、オスターデの農家の室内風景を克明に描いた作品を遥かに凌駕する、微視的とも言える細密で精緻な描写に驚かされた。それは我々が見ている世界の姿を借りて描き出される視覚の限界を遥かに越えた不可視の領域(註2)を出現させようとするブレダンの探究心の賜物であり、銅版画やリトグラフの教えを請うたオディロン・ルドンの神秘的で謎に満ちた隠喩的ともいえる画面制作に霊感を与えた、一種のヴィジョンと呼ぶべき図像を生み出している。そしてブレダンの描く小人の国への夢想や沼地に生茂る数多の雑草は、ブレダンを心の師と仰ぎ、抜きん出た銅版画のアルティザンとなった我々の世代の作家、ボルドー出身の銅版画家フィリップ・モーリッツ(Philippe Mohlitz, 1943-)のそれへと受け継がれていく。

“兎をつれた巨匠”というのは、1845年にこの風変わりで貧困の版画家ブレダンをモデルにした処女小説「Chien-Caillou(シアン・カイユー)」(註3)を書いたシャンフルリー(Jules Champfleury, 1821-1889) によるものだが、シャンフルリーが伝えるブレダンの窮乏生活は、まさに死と隣合わせで、年40フランで借りていた屋根裏部屋にはベットと梯子しか置いてなく、皮鞣し工として働く合間の僅かな時間を版画制作にあてていたらしい。ブレダンは唯一の友である一匹の“兎”と共にそこに住み、人参とパンで飢えをしのいでいた。驚くべきことに、幾らで手に入れたかは不明であるが、彼が借りていた屋根裏部屋の裸の壁には、彼が神と呼んだ17世紀オランダ黄金時代の巨匠レンブラント(Rembrandt Van Rijn, 1606-1669)の本物の版画「(キリストの)十字架降下/La Descente de croix/Descent from the Cross, 1654」、しかも刷りの良いものが掛かっていたという。この作品ではブレダンが暮らしていた屋根裏部屋とは打って変わって物に溢れており、家畜として飼われているのだろうか、画面左手前にキャベツやかぶら、バラモンジンといったような野菜と共に二匹(羽)の“兎”が描かれている。兎とパイプを持って立つ農夫の横の椅子の間に四匹の猫がいるのが見える。こちらはペットかもしれない。図録を見ると、第三段階では消されてしまっているが、第二段階までは農婦の足元に一匹の犬が画き込まれていた。

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今手元にあるのは、ボルドー出身の小説家で詩人のカチュール・マンデス(Catulle Mendès, 1841-1909)が1860年に創刊したフランスの文芸誌『ルヴュ・ファンテジスト(Revue fantaisiste)』の第7号の口絵のために加筆・修正された第三段階(3rd. state)のもので、ブレダンが同誌のために制作した13点の内の最初の作品である。刷りは、風景の中に独自のヴィジョンを示そうとしたシャルル・メリヨン(Charles Meryon, 1821-1868)の版画も手掛けた画家兼版画家で、銅版画の刷師でもあったオーギュスト・ドラートル(Auguste Delâtre, 1822-1907)(註4)の工房で、ウーヴ紙(wove paper)の台紙に貼られた黄色味の強いシナ紙(chine jaunâtre appliqué)(158x106mm)に刷られた。それより一回り大きい、淡黄色のシナ紙(chine creme appliqué)(182x125mm)を使ったものもあるようなのだが、現物は未だ目にしていない。

●作家:Rodolphe Bresdin(1822-1885)
●種類:Print
●題名:Intérieur Flamand (Flemish Interior)
●サイズ:158x106mm
●技法:Etching on creme chine appliqué, 3rd. state((Troisième état de l'eau-forte sur chine jaunâtre appliqué).
●発行:Revue fantaisiste, Paris
●制作年:1856/1861
●目録番号:(Dirk van Gelder:the catalogue raisonné of the V.G.,86-III
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暖炉の壁面に掛けられた「長老たちに脅かされるスザンナ」(註4)の絵の左横,、吊るされた葡萄の房の下に、ブレダンの版上サイン(Bresdin)と年記(1856)画見える。たたし数字の5は鏡文字になっている。画面左下のマージンにブレダン自身のニードルによる《Rodolphe Bresdin》の署名、右下のマージンには、ビュランで印刷所名と住所《Imp. Delâtre, R.St. Jacques265》と刻まれている。また画面上部のマージンにはビュランで雑誌名《REVUE FANTAISISTE》、下部のマージンには題名《INTÉRIEUR FLAMAND》がそれぞれ刻まれている。


註:

1.
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図版:アドリアーン・ファン・オスターデ(Adriaen van Ostade, 1610-1685)のエッチング作品「家族(La Famille)」、179x158mm。Louis Godefroy, L'OEuvre grave d'Adriaen Van Ostade, Paris, 1930, No.46

2.
「この暖炉を見てごらん。それはあなたに何かいっているかね。私には物語をするのだ。あなたがじっとそれを見ていて、意味がわかったら、突拍子もない、変わった夢を思うんだね。その夢が壁の裸の面の限界の中に止まっていれば、君の夢は生命を得る。そこに芸術があるのだ。」この言葉を私(ルドン)が聞いたのは1864年だった。そのころこんなふうに教える人はいなかったから、この年を記録したい。我々の時代の多くの芸術家は、暖炉の壁を見たにちがいない。ただそれをそれとして見ただけである。その壁の面に、我々の本質の蜃気楼が出現するところは見なかった。」 オディロン・ルドン『私自身に:日記(1867-1915』(A Soi-Même Journal (1867-1915): Notes sur la vie et l'art des artites)、165ページより。


マルセル・ブリヨンは彼の著書『幻想芸術(L'Art fantastique, Paris, 1961)』の中で、
、「ブレダンは知覚体験と想像力の密接な結合から、ひたすら既知のものの限界内で既知の手段を用いて創造するのだった。」

また
「ブレダンはどんなに小さな枯枝でも細かい葉脈でも綿密なレアリスムで描写したから、真実という大地から離れることがなく、眼に見える手段を通してやがては見えるものを越え不可視の境に達しようと努力する、いわば詩的真実の探求者であった。彼はその本質においても見者(ヴォワイヤン)であったので、うごめく姿のあらゆるかくれた存在、しめった下草のかげで増殖する異形の生命、はてはただの沼地に湧き上がる怖ろしい形の幻想的な水泡に至るまでも、みずから見、他人にも示したりするのだった。」
とブレダン芸術の本質を捉えている。

3.Chien-Caillou(the stone dog)とはブレダンの愛称で、アメリカ人作家ジェイムズ・フェニモア・クーパーによる長篇歴史小説『モヒカン族の最後(The Last of the Mohicans)』(1826年)に登場するインディアン、チンガチグック(Chingachgook)をフランス語風に言い換えたもの。

4.ドラートルは日本の美術品や工芸品の収集家でもあったのだが、そのことが1856年、フェリックス・ブラックモン(Félix Bracquemond, 1833-1914)というフランス人の銅版画家が彼の工房で日本から輸出された陶器(有田焼)の梱包に使われていた赤表紙の『北斎漫画十三編』を見つけたことに始まるフランスおよびヨーロッパにおける浮世絵の蒐集熱、またそれに続く日本趣味、ジャポニスムの流行へと繋がっていく。

5.
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レンブラントによる「長老たちに脅かされるスザンナ(Susanna Surprised by the Elders, 1647)」76×91cm、oil on panel(ベルリン国立美術館蔵)。その主題は、旧約聖書外典の逸話「スザンヌと長老たち(Suzanne et les vieillards)」で、裕福なユダヤ人ヨヤキムの妻スザンナ (Susanna)は、水浴中の姿を好色な長老たちに覗き見され、「我々と関係しなければ、お前が若い男と姦通していると通報する」と脅迫、姦淫を迫られる。


参考文献:

Préaud, Maxime, Rodolphe Bresdin 1822-1885: Robinson graveur,Bibliothèque nationale de France, 2000
Van Gelder, Dirk, Rodolphe Bresdin Dessins et gravures, Editions du Chêne, Paris, 1976
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by galleria-iska | 2016-09-07 21:50 | その他 | Comments(0)
2016年 07月 20日

ミロのトートバッグ「Fondation Maeght St. Paul」(1973)

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作家デザインのショッピングバッグと言うと、ポップアートの巨匠であるアンディ・ウォーホル(Andy Warhol, 1928-1987)とロイ・リキテンスタイン(Roy Lichtenstein,1923-1997)の両者が、1964年にニューヨーク市のビアンキーニ画廊(Bianchini gallery, New York)で開催された大量生産・大量消費社会の中心的存在であるスーパーマーケットをひとつの社会的風景として捉えた展覧会「American Supermarket」展の際に制作した、市販の紙製のトートバッグを支持体とする版画作品が思い出される。ウォーホルはキャンベルスープのトマト缶をモチーフにした「Campbell's soup can on shopping bag」(F.S.:II.4)、リキテンスタイン(Roy Lichtenstein, 1923-1997)は自身の絵画を基にした「Turkey Shopping Bag」(C.R.:App. 4)で、ともにビアンキーニ画廊から出版されている。彼らはスーパーマーケットという大量生産・大量消費社会の象徴的存在の本質を表現活動によって炙り出そうとしているというよりも、むしろ、自然が生み出した風景に変わる新しい風景として捉え、それを感情を排し、クールで即物的に表現しようとしているかのように見える。ウォーホルは二年後の1966年に、今度はボストン現代美術館(ICA)のポスターとして、同じキャンベルスープ缶をモチーフとする「Campbell's soup can on shopping bag」(F.S.:II.4.A)をデザインしている。一方、リキテンスタインは20年以上経った1988年に、ウォーカー・アート・センター(The Walker Art Center)がミネアポリスに設置した彫刻庭園の開園を祝して、ミネアポリスのデイトン・ハドソン・デパート(Dayton Hudson Department Store Company)が出版したショッピング・バッグ(註1)のデザインを行なっている。

時代が下り、自然保護や環境問題が強く叫ばれる時代になると、1992年、コンセプチュアル・アーティストのバーバラ・クルーガー(Barbara Kruger, 1945-)が、使い捨ての紙製ではなく、自身の展覧会に合わせてデザインした「Business As Usual」という、繰り返し何度も使えるキャンバス地のトート・バッグをデザインしている。キャンバス地にシルクスクリーンでプリントされた"Business As Usual(変わり栄えしない、日常生活)"という言葉と牙をむく狼の横顔の組み合わせが、パラドキシカルでありながら、消費社会に埋没していく生活に対して牙を剥くという、意識変革を訴えかける作品となっている。

今回取り上げるのは、1973年にジョアン・ミロ(Joan Miro, 1893-1983)のオリジナル・リトグラフをもとに作られたキャンバス・トート・バッグである。トートバックとしては少し小さめであるが、データを失ってしまったので、正確なサイズは不明とする。バッグにはミロが同年、南フランスのサン=ポールにあるマーグ財団の美術館で彫刻と陶器による展覧会を開催した際に刊行された図録ために制作した二点のオリジナル・リトグラフのうちのひとつが使われており、バッグの両面にシルクスクリーンで刷られている。片側(表)にはミロの版上サインが入っている。このバッグが展覧会に合わせて作られたのであれば、バーバラ・クルーガーより20年近くも早いことになり、先駆的な試みであったと言えるかもしれないのだが、このバッグに関する記述がどこにも見当たらず、詳細は分からない。

●作家:Joan Miro(1893-1983)
●種類:Canvas tote bag
●サイズ:???x???mm
●技法:Silkscreen
●発行:Fondation Maeght, St. Paul
●制作年:1973(?)

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註:

1.同社はこのショッピング・バッグの出版に先立ち、ウォーカー・アート・センターと共同で1984年にフランク・ステラ(Frank Stella)、1985年にデイヴィッド・ホックニー(David Hockney)とアニー・リーボヴィッツ(Annie Leibovitz)にショッピング・バッグのデザインを依頼している。
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by galleria-iska | 2016-07-20 18:42 | その他 | Comments(0)
2016年 05月 23日

ジョルジュ・ルオーの自画像「Autoportrait II」(1926)

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自画像は好みの画題のひとつである。偽らざる自己の姿を描くという行為は純粋な記録であると同時に、自身の内面を真摯に見据えた自己告白でもあるからである。ドイツ・ルネッサンスの巨匠アルブレヒト・デューラーAlbrecht Dürer, 1471-1528)が始めたと言われる自画像は、最も身近なモデルとして、画中の出来事の目撃者として、また様々な歴史的英雄や宗教的人物に扮したものとして描かれる一方、画家としての自負はもとより、成功した人間の虚栄心や自己愛、宮廷画家といった地位誇示の反映として描かれることもあった。いずれにせよ、そこには画家の内面が不作為に写し出されており、人間という存在の諸相を観察できる格好の題材なのである。

20世紀最大の宗教画家と謳われるジョルジュ・ルオー(Georges Rouault, 1871-1958)もまた幾つもの自画像を残している。今回取り上げるのは、フランスのジャーナリストで美術、文芸、映画批評家のジョルジュ・シャランソル(Georges Charensol, 1899-1995)が1926年に著した『Georges Rouault: L'homme et l'oeuvre』の特装版100部(註1)に添えられたリトグラフによる自画像「Autoportrait II」である。この作品を手にするのは二度目で、最初のものは、1980年代の終わり頃だったと思うが、1976年に『ルオー版画作品(Georges Rouault The Graphic Work)』を著したサンフランシスコの画商で出版人のアラン・ウォフシー(Alan Wofsy Fine Arts)から500ドルで入手した。こちらはその後手放してしまったが、何年か前に運よくフランスの業者から200ユーロほどで再び入れることができた。この作品は、我々が良く知るフランスの版画用紙ではなく、局紙(Japon Impérial)という、少し黄身がかった和紙に刷られている。

ルオーは師であるギュスターヴ・モロー(Gustave Moreau, 1826-1898)の生誕100年に当たる1926年にリトグラフによる自画像を3点残しているが、それらは全て単に「Autoportrait」となっているため、区別を付けるために、便宜的にI~IIIの番号が付されている(註2)。これら3点が同時進行で描かれたものなのか、時期をずらして別々に描かれたのかはっきりしないが、顔の向きが多少異なっているものの、構図的には大きな違いはない。作品としては、横顔に近い角度で描かれた『回想録』所収の「Autoportrait I」が一番出来が良いとされている。この自画像や他の肖像画において、ルオーは人間の相貌が語る本質的なものを求め、熱意と情熱を原動力とする妥協を許さない集中力と忍耐によってグラッタージュと呼ばれる削除やクレヨンによる加筆を繰り返し、その成果である明暗のコントラストが織り成す劇的な表情と暗部の豊かな諧調に充実感を覚えていたようである。当時のルオーの容貌について、友人のフランスの哲学者でジャック・マリタン(Jacques Maritain、1882-1973)は次のように記しており、それはまるで自画像そのものを言い表しているかのようでもある。以下引用:
淡色のつねに目覚めている明るい眼、とはいえ、ものにじっと据えつけられるというよりは内部にむけられているその眼差し、激しい口許、突き出した額、以前にはブロンドの髪がふさふさしていた幅広の頭骨。かくのごとくに徒党と因習との、概していえば現代のあらゆる風俗の敵であるこの画家の表情には、何やら丸顔の道化師めいたもの、憐れみと辛辣、悪意と無邪気との思いもかけぬ混合があり、輝きは今も彼の洞窟(カーヴ)から流れている。1871年の巴里の砲撃の最中に、とある地下室(カーヴ)で彼は生まれたのだからである。

●作家:Georges Rouault(1871-1958)
●種類:Print
●題名:Autoportrait II
●フォーマット:260x210mm(イメージ:229x170mm)
●限定:100 + 50 H.C.
●紙質:Japon Impérial
●発行:Éditions des Quatre Chemins, Paris
●制作年:1926
●版画目録:Chapon and Rouault 342
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画面左下。アラン・ウォフシーの『ルオー版画作品(Georges Rouault The Graphic Work)』によれば、年記(26)と頭文字(G)が入れられているとあるが、判読し難い。



註:

1.
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図版:Charensol, Georges :Georges Rouault: L'homme et l'oeuvre、4to. 126 pp., with 39 black & white plates. One of a limited edition of 125 numbered copies on Arches, of which 100 numbered copies with one singed and numbered lithograph by Georges Rouault printed on Japon Impérial. Printed in Paris by Ducros et Colas in 1926.

2.「自画像I」(Chapon/Rouault 311)はエドモン・フラピエ出版から刊行された自身の『回想録』(限定385部)に所収。イメージサイズ:232x172mm
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「自画像II」(Chapon/Rouault 342)はカトル・シュマン出版から刊行されたジョルジュ・シャランソル著『ジョルジュ・ルオー、人と作品』の特装版100部に添えられた。イメージサイズ:229x170mm
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「自画像III」(Chapon/Rouault 343)は単独の版画作品として、パリのカトル・シュマン出版から白黒50部と色刷り100部が出版された。イメージサイズは345x250mmで、3点の中では一番大きく、帽子は被っていない
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by galleria-iska | 2016-05-23 20:44 | その他 | Comments(0)
2016年 05月 13日

清宮質文の蔵書票「Ex-Libris H. Chiba」(1975)

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木版画の詩人と称される画家で版画家の清宮質文(Naobumi Seimiya, 1917-1991)の作品は、美術雑誌などで時折見かけるだけで、まだ実物を目にしたことがない。それでも一度ぐらいは手にしてみたいと思っているのだが、思いの外高額で、おいそれとは手が出せない。その代わりというか蔵書票を何点か手に入れることができた。いずれも縦横ともに10cmにも満たない小品である。今回取り上げる蔵書票「Ex-Libris H. Chiba」は、1975年に制作されたとあるので、既に40年以上経っているが、あまり時代を感じさせない。蔵書票は周知の通り、本の見返し部分に貼って、蔵書印と同じように、所有者を明らかにするためのもので、所有者の名やExlibrisの文字とともに、所有者と関係のある図案を組み合わせて作られる版画の一種であるが、表現媒体としては制約が大きく、思い切った表現を行なうことは難しい。それゆえ、作品としての密度を高めるために、緻密なものに向かう傾向があるが、作家はその小さな空間に、実用性を勘案しながら、記号性の発現と、何かしらの意味や思いを表現しようと試みるのである。

●作家:Naobumi Seimiya(1917-1991)
●種類:Bookplate(Ex Libris)
●題名:"Ex-Libris H.Chiba" from 『Ex-Libris Calendar Album (1975-1978)』
●フォ-マット:76x62mm(イメージ:65x53mm)
●技法:Woodblock print
●発行:The Nippon Bibliophile Society
●制作年:1975
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蔵書票で思い出すのは、20世紀オランダを代表する版画家マウリッツ・コルネリス・エッシャー(Maurits Cornells Escher, 1898-1972))である。今はもう手元に無いが、まだ1万円にも届かない頃に、何点か小口木版で作られた蔵書票や年賀状、招待状を手にしたことがある。そのエッシャーを世に送り出しのが、アメリカの画家で画商のマルドゥーン・エルダー(Muldoon Elder, 1935-))である。彼も最初、どこかの古書店からエッシャーの年賀状や蔵書票を手に入れたことから、一部の科学者には認められるものの、時代の中に埋もれていたこの版画家に興味を抱くようになり、ついにはオランダに出向くことになるのである。エッシャーが亡くなった直後の1972年4月15日から5月31日にかけて、《The largest selection of original prints by M.C. Escher ever to be shown in the United States》と銘打って行なわれた展覧会は今や伝説となっており、一日に三千人の来場者があったと言われる。この展覧会の後、エルダーは、美術市場では無名に近かったエッシャーの版画販売関して、代理人として、ほぼ独占(モノポリー)することで画商として名を成す。

蔵書票や年賀状を正式な版画作品と見るのは若干役不足であるかもしれないが、いきなり額に収まった高価な作品を買い求めるよりも、版画事始として、作品に直に触れてみて、その紙質やインクの乗り具合などを確かめることで、視覚では得られない、技法への理解と作家の表現に対する目を養うという点において貴重な訓練にもなるのである。とは言え、自分のように、そこからなかなか前に進めない人間もいるのだが。

清宮質文は木版画家として既に日本国内では高い評価を得ているが、自画、自刻、自摺を旨としたため、寡作であったようだ。また摺刷数の少ないものが多く、それも価格を押し上げる原因となっている。そのためかどうか分からないが、昨今は比較的入手し易い蔵書票にも関心が向けられている。今回の蔵書票「Ex-Libris H. Chiba」は、日本愛書会(The Nippon Bibliophile Society)(註1)が発行した『愛書票暦アルバム (1975年~1978年)』(1976年)所収の蔵書票のひとつで、構図的には、1963年の「林の中の家」を彷彿させるが、人物の位置が左右逆になっている。時折、ムンクの版画との類似性を指摘する向きもあるが、内的不安を根源とするムンクの版画とは根本的に異なる。
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図版:清宮質文の木版画「林の中の家 I」(1963年)、138x113mm、限定50部

作家が亡くなった直後の1991年7月20日に発行された版画専門の季刊誌『版画藝術73号』には追悼特集が組まれている。そこに掲載された記事などを読むと、版画家は、《目に映る外界の姿を忠実に写し取る写生や現実をありのまま表現する写実を目指したのではなく、それによって引き起こされた心の動きを実在化しようとした》とあり、そのために、“一瞬消え去る花火のような”と作者が形容する、心の動きという形のないものを形に表す作業に、周囲の雑音に惑わされることなく、ひたすら没頭したのである。画面に登場する人物は、作家自身「オバケ」と呼ぶ幻影のような実体の不確かなものとして描かれており、その多くは、明るい日差しの下ではなく、世界がその輪郭を失い始める夕暮れ時の幻想的な空間-画面からはその独特の空間の表出に腐心していることが窺われる-の中に置かれている。そこに、結晶化された作家の心の動きが、純粋で透明なイマジェリーとして立ち現れてくるのである。



註:

1.蔵書票普及のためにその生涯を捧げた志茂太郎によって1943年に創設された「日本愛書会」は1957年、「日本書票協会(The Nippon Exlibris Association」と名称を変え活動している。

参考文献:

版画藝術73号(Hanga Geijutsu:No.73)、1991年7月21日発行、阿部出版
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by galleria-iska | 2016-05-13 21:49 | その他 | Comments(0)
2016年 03月 29日

ミンモ・パラディーノの銅版画「Il Pattinatore」(1984)

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今から30年以上前のことになるが、1984年に名古屋のギャラリー・セキで行われた、イタリアのトランス・アヴァンギャルディアの一人として注目を集めていた画家で彫刻家のミンモ・パラディーノ(Mimmo Paladino, 1948-)の近作版画展を観たのが切っ掛けで、制作の意図や作品の内容はもとより、イタリア語の“イル・パティナトーレ”の意味さえも解らず購入してしまったのが、この銅版画である。たしか、現代美術の版画作品を専門に扱っていたニューヨーク市の画廊から、ギャラリー・セキの版画展にも出品されていた、ジェームズ・ジョイスの長編小説『ユリシーズ』に取材して制作された四点組の大型のリノカット作品《A series of four linocuts》のうちの二点とともに購入したものだ。二点のリノカットは資金調達のために手放してしまったが、この作品については、靄に包まれたような気持ちを抱えたまま、未だ額装すらしていない。エッチング、アクアチント、ドライポイントといった、銅版画の複数の技法を組合わせて制作されており、人物の腰から脚部に伸びる黒い影のような部分には、銅板を突いて出来たような凹みが見られる。また画面の周囲に不規則にカットされた金属板を版とする図形を並べる意匠は、作品を成立させるための重要な意味を象徴するものとして使われていると思われるのだが...。

この作品と関連するのかもしれないが、パラディーノは1983年、翌年ユーゴスラビアのサラエボで開催された冬季オリンピック(The Winter Olympic Games of Sarajevo in 1984)の公式ポスターのデザインを依頼され、ボブスレー競技(Bobsleigh)を題材に原画「Bob」を制作している。アイス・スケーターを主題とするこの作品、その肉体表現にはパラディーノの古代への歴史認識が現れているとされるのだが、スピード・スケーターが風を切って疾走する姿を捉えたようにも、またフィギュア・スケーターがジャンプする姿にも見えなくもない。背後には、スケーターの疾走(もしくは回転)する動きを表現するためであろうか、残像(ゴースト)のようなものがラフな描線で描かれている。パラディーノがこの作品を制作するにあたり、念頭に置いたかもしれないのが、パラディーノと同様、サラエボ冬季オリンピックの公式ポスターのデザインを依頼されたイギリス画家デイヴィッド・ホックニー(David Hockney, 1937-)が、フィギュア・スケーターをモチーフに制作した「Skater」である。ホックニーはピカソのキュビスムの手法を、彼が言うところの“見るのが退屈な”写真に応用、幾つもの分解写真をコラージュすることでスムーズな視点の移動を可能とし、スケーターの動きや時間の流れをも追体験させようとしている。それを目にしたパラディーノが、スケーターの背後に残像を描き入れることで、動きの連続性や時間の流れといったものの表現を試みたのかもしれない。ただ、パラディーノの表現主義的な作風を感じさせるプリミティヴな描き方が、それを曖昧にしてしまっているところがある。

一方、スケーターの周囲や画面の外に配置された不規則な形の図形は、作品の持つ意味やその象徴性を補完するはずのものと捉えるならば、その関連性から砕けた氷をイメージさせなくもないが、黒塗りであるため、その抽象性が表象としての役割以上に強く押し出され、両者の関係性を後退させてしまっているように思われる。だからと言って、単なる縁飾りとして見るには無理があり、どうにも捉えようがない。この何とは無しに感じる違和感が、パラディーノの作品に相対するときに、しばし立ち上がってきて、見ることの喜びを遠ざけるのである。ついでに言えば、この作品の基調色となっているオリーブ・グリーン(暗黄緑色)は、同じ年に出版された前述の四点組の大型のリノカット作品のひとつ「Ellpodbomool」《エルポドボモールはジェイムズ・ジョイスの長編小説『ユリシーズ』の主人公であるレオポルド・ブルーム(Leopold Bloom)のアナグラム》にも使われており、またその縁飾りを用いた構図の作り方などにも類似性が見られる。

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イギリスの現代美術を代表する画家のひとりデイヴィッド・ホックニー(David Hockney, 1937-)が、自身が撮影した写真をもとにデザインしたサラエボ冬季オリンピックの公式ポスター「Skater」、850x620mm、オフセット。

●作家:Mimmo Paladino(1948-)
●種類:Print
●題名:Il Pattinatore(The Skater)
●サイズ:1000x805mm
●技法:Etching, aquatint and drypoint
●限定:35+4 a.p.
●紙質:B.F.K. Rives
●発行:Waddington Graphics, London
●制作年:1984
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by galleria-iska | 2016-03-29 19:18 | その他 | Comments(0)
2016年 02月 28日

リン・チャドウィックのリトグラフ「Moon in Alabama」(1963)

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第二次世界大戦後のイギリスを代表する彫刻家のひとり、リン・チャドウィック(Lynn Chadwick, 1914-2003)の日本で初めての本格的な展覧会は、1962年に神奈川県立近代美術館で開催されたケネス・アーミテージ(Kenneth Armitage, 1916-2002)との二人展であるが、それから30年を経た1991年4月から10月にかけて日本各地の美術館を巡回した「チャドウィックの彫刻」は、チャドウィックの36年に及ぶ制作を顧みる大規模な回顧展であった。その最初の開催地である富山県立近代美術館へ彫刻家の方と出掛ける予定であったが、都合が付かず、展覧会図録(註1)を郵送してもらった。と言うのも、展覧会が始まる少し(?)前にチャドウィックのリトグラフを一点手に入れたのだが、どういう作家なのか、詳しいことが分からず、一度実物を見てみたいと思ったからである。

そのリトグラフが今回取り上げる「アラバマの月(Moon in Alabama」という、1956年に制作した最初の作品「テディ・ボーイとガール(Teddy Boy and Girl」(註2)に続く、リン・チャドウィック二作目の版画である。この作品はフェリックス・H・マンの編集でシュトゥットガルトの画廊で版元のヴォルフガング・ケッテラー(Edition Galerie Wolfgang Ketterer, Stuttgart(1965年にミュンヘンに移転)から1963年に刊行された版画集『ヨーロッパの版画 第一集 ‐ イギリスの美術家(Europäische Grafik I - Englische Künstler)』にレッグ・バトラー(Reg Butler, 1913-1981)、ヘンリー・ムーア(Henry Moore, 1898-1986)、ウィリアム・スコット(William Scott, 1913-1989)、ジョン・パイパー(John Piper, 1903-1992)、グレアム・サザーランド(Graham Sutherland, 1903-1980)とともに所収されたもので、1957年に制作された彫刻作品「Moon of Arabama」(註3)を基にしているが、空に浮かぶ月を描いたリトグラフでは、彫刻作品にあった自立のための支柱が取り払われており、チャドウィックの彫刻の基本構造である紡錘状の骨組みがアクセントになっている。この作品におけるグレーイッシュな色彩は、どこかどんよりとしたイギリスの気候風土を反映したものになっているように思われる。この作品には色違いのバリアントが存在しているが、いずれも靄がかかったような淡いトーンである。

●作家:Lynn Chadwick(1914-2003)
●種類:Print
●題名:"Moon in Alabama" from the portfolio『Europäische Grafik I(Englische Künstler)』
●フォーマット:655x504mm
●技法:Lithograph in colors on Arches wove paper
●限定:65
●発行:Edition Galerie Wolfgang Ketterer(Verlag der Galerie Wolfgang Ketterer)
●印刷:Curwen Studio, London
●制作年:1963
●目録番号:Ketterer Editionsverzeichnis 42
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参考文献:

Dennis Farr and Eva Chadwick: Lynn Chadwick Sculpture. With a complete illustrated catalogue 1947-1988, reprinted with corrections, published by Oxford University Press, New York in 1992


註:

1.富山県立近代美術館で開催されたリン・チャドウィックの回顧展「チャドウィックの彫刻」の図録:
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2.リン・チャドウィックが1950年代のロックンロールの流行とともに現れたエドワード7世時代風の服装をする労働者階級の少年少女を題材に描いた最初の版画作品「テディ・ボーイとガール(Teddy Boy and Girl)」(1956年)。フォーマット:455x281mm、限定:60、発行:ボーデンゼー出版(Bodensee-Verlag, Amriswil, Switzerland)、紙質:リーヴ紙(BFK Rives)。この出版社から1958年にハーバード・リード(Herbert Read)著の「Lynn Chadwick」が刊行されている。
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3.リン・チャドウィックの彫刻作品「Moon of Alabama」(Bronze, 152cm, Edition 6:Eva Chadwick No.246)
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この彫刻は、"Moon of Alabama"や"Moon over Alabama", Whisky Bar"としても知られる"Alabama Song"を作詞-作曲はクルト・ヴァイル(Kurt Weill, 1900-1950)-した劇作家で詩人のベルトルト・ブレヒト(Bertolt Brecht, 1898-1956)が亡くなった翌年に、幾つかのマケットとともに制作されているのだが、チャドウィックはこの曲に何か思い入れがあったのであろうか。
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by galleria-iska | 2016-02-28 20:17 | その他 | Comments(0)
2016年 02月 19日

ジェームズ・アンソールの版画目録「Loÿs Delteil:Le Peintre graveur illustré. Tome 19」(1925)

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フランスの画家で版画家、そしてフランスの版画史にも精通していたアンリ・ロイ・デルテイユ(Henri Loÿs Delteil, 1869-1927)が1906年から26年にかけて編纂し出版した19世紀から20世紀の画家兼版画家の版画総目録(Loÿs Delteil:Le peintre-graveur illustré,31 vols., 1906–1926 Paris) 全31巻は、今でも画廊や蒐集家、研究者の基本文献として利用されているが、観賞用ではないため、オフセット印刷の図版が鮮明でないのが難点であろうか。バブル期にはデラックス版の全セットが数百万円(普及版でも百万円)もしたような話を聞いたことがあるが、稼ぎの少ない身としては資料にそんな大金をつぎ込むことが出来るわけもなく、大画廊の書庫に並んでいるのを想像するしかなかった。それも今は遠い昔の話になってしまったが。

高嶺の華であったデルテイユの版画目録であるが、運よく手に入れることが出来たものもある。1922年に二分冊(14、15巻)で出版されたフランシスコ・デ・ゴヤ(Francisco José de Goya y Lucientes, 1746-1828)と今回取り上げるジェームズ・アンソール(James Ensor, 1860-1949)の版画目録である。ゴヤの方は合本されたもので、ゴヤの初期のエッチング「座って歌う盲人(Aveugle assis, chantant)」(Delteil No.30)の後刷りが挿入されており、高い時には20万円ぐらいしていたが、資金調達のため、海外の業者に売り渡してしまった。今資料として使っているのは、銅版画が抜かれたもので、価格は10分の1である。一方、第19巻として出版されたアンソールの版画目録は、楮(こうぞ)を原料とする極上局紙(Japon Impérial)に刷られた限定50部のデラックス版で、アンソールの他、ベルギーのアントワープ(アントウェルペン)出身の二人の画家、歴史絵画家のアンリ・ルイス(Henri Leys,1815-1869) と17世紀のオランダ絵画を彷彿させる、室内画、静物画、風景画を描いたアンリ・ド・ブラーケレール(Henri de Braekeleer, 1840-1888)の版画作品を収録しており、ブラーケレールが1872年に制作したエッチング「アントワープの大聖堂の塔、窓からの眺め(La Tour de la Cathédrale d'Anvers, vue d'une fenêtre)」(Delteil No.66)の和紙刷りと、アンソールが1895年に制作したエッチング「金拍車の戦い(La Bataille des Éperons d'or)」(Delteil No.95)(註1)の模造和紙(simili Japon)刷りのものが挿入されている。1925年頃のアンソールは名声を博するものの、既にインスピレーションは枯渇し、制作意欲も失われていたが、生涯の愛人で友人であったオーギュスタ・ボーガルツ(Augusta Boogaerts,1870-1951)に励まされて絵筆を握っていた。ベルギーの美術史家ポール・ハザルツ(Paul Haesaerts, 1901-1974)が1957年に著した大著「James Ensor」によれば、ボーガルツはまた、アンソールの作品を監督し、それについての目録を作成し、売りたてを押し進め、銅版画の版数に関しても決定を下した、とあることから、この版画目録に挿入された銅版画に関しても、彼女が刷りに関わっていたと思われる。

アンソールの版画作品は高価で取引されるため、50部限定で目録に挿入されたものは、大抵は取り外され、版画単独(オークションでも$900ぐらいの値が付く)で売られていることが多い。そのため完全な形として残っているものは僅かであると思われる。その裏付けとなるかもしれない証拠をひとつ紹介する。ベルギーの画家ポール・デルヴォー(Paul Delvaux, 1897-1994)の版元であったパリの画廊バトー・ラボワールの設立者であった故ミラ・ヤコブ(Mira Jacob)女史のコレクションが2004年にパリでサザビーズによって売り立て("Collection Mira Jacob - Galerie Le Bateau Lavoir" Sotheby's, Paris (4022) / 23 Sep 2004)に掛けられた際に、この版画目録が出品され、見積もり価格800~1200ユーロのところ、1800ユーロ(手数料込みだと2160ユーロ。日本円に換算すると約29万円となる)で落札されているのである。この落札値は、故ミラ・ヤコブ女史のコレクションであるから、割り引いて考えなくてはならないが、話半分としても14,5万円である。手持ちのものもそれくらいで売れるなら手放してもよいが、日本国内にはアンソールの版画の蒐集家は少なく、まともな値は付かないであろうから、海外のオークションへの出品を考えた方が得策かもしれない。

●作家:James Ensor(1860-1949)
●種類:Catalogue raisonné
●著者:Henri Loÿs Delteil(1869-1927)
●題名:Henri Leys, Henri de Braekeleer, James Ensor: Le Peintre graveur illustré(XIXe et XXe siècle).Tome dix-neuviéne
●サイズ:331x262mm
●限定:50 exemplaires de Luxe sur papier Imperial Japon
●発行:Loÿs Delteil, Paris
●制作年:1925
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                         タイトルページ
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                         アンソールの肖像写真
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目録に挿入されたアンソールのオリジナル・エッチング「金拍車の戦い(La Bataille des Éperons d'or)」(1895年)
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                         目録の該当ページ
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          該当作品のテキスト部分
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ジェームズ・アンソールのオリジナル・エッチング:"La Bataille des Éperons d'or(Battle of the Golden Spurs)" Medium: Original etching. Executed in 1895; this impression was published in 1925 for the deluxe edition of the Delteil catalogue raisonne on the work of Belgian artist James Ensor. Printed on simili Japon, 175 x 237 mm, signed by Ensor in the plate(Deltail No.95)



註:

1.「端麗王」と称されるフランス王フィリップ4世(Philipe IV、1268年-1314)が毛織物業で栄えていたフランドルを併合しようと起こした戦争(1297年~1314年)の中で起きた戦いで、1302年7月11日、コルトレイク(Kortrijk)においてフランドルの市民や農民からなるフランドルの都市連合軍が騎士団を中心とするフランス王軍を破った戦い。戦場に残された騎士の象徴ともいえる金拍車に因んで、この名が付いた。地名を取ってコルトレイクの戦いとも言われる。ベルギーのフラマン語圏ではこの日を祝日としている。
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by galleria-iska | 2016-02-19 20:57 | その他 | Comments(0)
2016年 01月 31日

ベルナール・ビュッフェの年賀状「Galerie Sagot de Garrec」(1970)

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前回、レンブラントの銅版画の作品を取り上げた際、ドライポイントの刷りの特徴である滲みについて触れたので、今回はその例となる作品を取り上げてみる。我が国の作家で思い出されるのは、個人的には、多種多芸の芸術家であった故池田満寿夫(Masuo Ikeda, 1934-1997)の初期の作品やドライポイントによる銅版画制作に固執し続ける名古屋市出身の版画家、吉岡宏昭(Hiroaki Yoshioka, 1942-)氏であるが、残念ながら、手元に例証となる作品を持ち合わせていないので、フランスの画家兼版画家ベルナール・ビュッフェ(Bernard Buffet, 1928-1999)」の小品で代用する。

この作品「サン=ジェルマン=デ=プレ教会(Église Saint-Germain-des-Prés)」は、ベルナール・ビュッフェ(Bernard Buffet, 1928-1999)が1970年に、版画の彩色家から書店経営を経て版画商に転じた父ヴィクトール・プルーテ(Victor Prouté,1854-1918)の意志を継ぎ、1920年からパリ6区のセーヌ通りに画廊(Paul Prouté, S.A./Galerie d'art Paul Prouté, Paris)を構えるポール・プルーテ(Paul Prouté, 1887-1981)と並び称される、1881年創業の版画・素描専門の画廊で版元のサゴ=ルガレック(Galerie Sagot-Le Garrec, Paris)の1971年用の年賀状として制作した作品で、バー(burr)と呼ばれる“まくれ”によるインクの滲みが良く出ている。承知の通り、ドライポイントは直刻法による凹版画のひとつで、比較的柔らかい金属である銅やアルミニウムの板を使い、それより硬い鋼鉄製のニードルや刃物で、直接版面にイメージを刻み込む技法である。そうやって出来た版には、刻まれた刻線の両側に“まくれ”ができ、この“まくれ”の裏側に付いたインクが紙に刷り取られる際に出来る滲みが、画面に豊かな表情を与えるのである。この滲みを好んで用いたのが、かのレンブラントであり、ビュッフェであったのである。年賀状となったのは第二段階(2nd state)もので、600枚(うち500枚がサゴ=ルガレックの年賀状)が1929年創業のパリの銅版画工房ラクリエール・エ・フレロー(Atelier Lacourière et Frélaut, Paris)で印刷されているのだが、メッキが施されているためか、“まくれ”が磨耗せずに残っている。第一段階の刷りは僅かで、現物は目にしたことはないが、美術史家でアカデミー・フランセーズの会員であったモーリス・ランス(Maurice Rheims,1910-2003)編纂の銅版画目録に掲載されている図版ものではないかと思われる。比べて見ると、第二段階では消えている(消されている?)滲みが幾つか見られる。

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描かれているのは、パリ6区のサン・ジェルマン・デ・プレ地区に建つ、パリ最古のロマネスク様式の教会、サン=ジェルマン=デ=プレ教会(Église Saint-Germain-des-Prés)である。ビュッフェはロマネスク様式の教会が好きだったようで、この教会だけで三度も版画に描いている。最初の作品は、1962年に刊行されたリトグラフ版画集『アルバム・パリ(ALBUM PARIS : PORTFOLIO DE DIX LITHOGRAPHIES)』(C.S.31-40)(註1)所収の「サン=ジェルマン=デ=プレ(Saint-Germain-des-Prés)」、次は1965年制作のリトグラフ「サン=ジェルマン=デ=プレ広場(Place Saint-Germain-des-Prés)」(C.S.65)、そして三番目の作品となるのがこの「サン=ジェルマン=デ=プレ教会」である。三作品とも教会を同じ角度から描いているのだが、年度が下がるにつれ、視点が教会に近づいていっている。

●作家:Bernard Buffet(1928-1999)
●種類:Greeting card(Carte de vœux)
●題名:Église Saint-Germain-des-Prés
●フォーマット:255x200mm(255x400mm)、プレートマーク:215x169mm
●技法:Dry point(Pointe sèche)
●限定:500(+100 without text)
●紙質:B.F.K. Rives
●発行:Galerie Sagot-Le Garrec, Paris
●印刷:Atelier Lacourière et Frélaut, Paris
●制作年:1970
●目録番号:R.72
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参考文献:

Bernard Buffet graveur 1948-1980(Catalogue raisonné de l'oeuvre gravé). Maurice Rheims, Éditions d'Art de Francony, Nice / Éditions Maurice Garnier, Paris, 1983. 1958年から1980年までのビュッフェのドライポイント作品367点を収録しており、当該作品の目録番号は72(R.72)である。

Bernard Buffet : Lithographe(1952-1979), Charles Sorlier, Michele Trinckvel-Draeger, Paris, 1979. ビュッフェが1952年から1979年にかけて制作した325点のリトグラフを収録している。

註:

1.アルバム・パリ:ALBUM PARIS : PORTFOLIO DE DIX LITHOGRAPHIES. Poèmes de Charles
Baudelaire. A. Mazo éditeur, Paris 1962. (Ile Saint Louis, Place des Vosges,
Point du Jour, Porte Saint Martin, St Germain des Prés, Tour Eiffel, Pont
des Arts, Sacré Coeur, Pont de la Concorde, Arc de Triomphe).目録番号:Charkes Sorlier (C.S.)31 à 40.
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by galleria-iska | 2016-01-31 15:28 | その他 | Comments(0)
2016年 01月 19日

レンブラントのエッチング「Byblis: 29 facsicule」(1929)

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フランスの美術専門誌『Byblis』の29号(1929年春)の特集記事は、この年、17世紀オランダの画家レンブラント・ハルメンスゾーン・ファン・レイン(Rembrandt Harmensz van Rijn, 1606-1669)のエッチングの真贋と技法、および制作年に関する二冊組の研究書「Rembrandt」(註1)を上梓したフランスの画家、版画家、メダル彫刻師で、美術史家のアンドレ=シャルル・コピエ(André-Charles Coppier, 1866-1948)による研究論文「Rembrandt, Divers aspects de son œuvre gravé」を掲載しており、パリのジャックマン工房(ジャックマン夫人工房Chez Madame Jacqueminのことか?)によるレンブラントの3点の原版を使った後刷りが挿入された。

レンブラントは17世紀オランダを代表する画家のひとりであるとともに、世界三大版画家(エングレーヴィングを駆使したデューラー、エッチングのドライポイントによる表現を完成させたレンブラント、アクアチントを表現に用いたゴヤ)のひとりに数えられ、それまでは制約の多いビュランで制作されることが多かった銅版画に自由な描線を可能とするエッチングの技法を取り入れ、それを飛躍的に発展させた作家として、生涯に約300点の作品を残している。その原版(Copper plate)の多くは破棄されるか失われてしまったが、死後100点ほどが残された。原版のその後の所有者の変遷は、研究者によると、以下の通りである:

17世紀:
そのうちの74点を入手(レンブラントの存命中で、財産が差し押さえられ競売に掛けられた1656年から息子のティトゥスが亡くなる1668年までの間ではないかとされる)したのは、レンブラントの友人で、レンブラントの版画作品「Clement de Jonghe, Printseller」(1651.BB 51-C)にも登場する版画商で版元のクレメント・デ・ヨンゲ(Clement de Jonghe, 1634/5–1677)で、ヨンゲは1677年頃に原版の最初の目録を作成している。1679年の目録には75点と記されている。

18世紀:
入手経路は不明だが、1767年にアムステルダムの商人で収集家のピーテル・デ・ハーン(Pieter de Haan, 1723-1766)の遺産の売り立てが行なわれ、目録には76点(内47点はヨンゲのコレクション)の原版が記載されている(ヨンゲとハーンのコレクションを合わせると103点の原版が残っていたことになる)。
《1767年~1768年》:アムステルダムのピーテル・デ・フーケット(Pieter de Fouquet/Pierre Fouquet Jr., 1729-1800)が54点の原版を1767年の売り立てで購入し、後にパリの版画家でレンブラントの鑑定家であったクロード=アンリ・ワトレ(Claude-Henri Watelet, 1718-1786)に売却しているが、実際は、ワトレが手数料を払って、フーケットに落札させたのではないかと言われている。
《1768年~1786年》:1786年までワトレのコレクションであったが、彼の死後、その遺産が売却され、その中に78点の原版が含まれていた。後の記録によれば、ワトレは83点の原版を所有していたとある。ワトレは有能な銅版画家であり、原版を元あった状態に戻すために、原版の幾つかにエッチングとエングレーヴィングによる最初の修正(rework)を加えたが、これが後の加筆、修正を生む原因となった。
《1789年~1797年》:パリで版画工房を営み、版画の販売と出版を行なっていたピエール・フランソワ・バザン(Pierre-François Basan, 1723–1797)が1786年にワトレが所有していた原版を全て購入、1789年から1797年の間に、80点のレンブラントの版画作品集《Recueil de Basan》として出版する。

19世紀:
《1807年~1808年》:1797年のバザンの死後、バザンの息子アンリ・ルイ・バザン(Henri Louis Bazan)が遺産を受け継ぎ、注文に応じて《recueil:book with bleu or green motting on the outside》を出版し続ける。この間、原版はかなり磨耗、損傷。
《1805年~1810年》:1805年から1810年の間に、フランスの出版人オーギュスト・ジャン(Auguste Jean, 17??-1820)がバザンから全ての原版を購入、数は多くは無いが、ジャンの《recueil》として出版する。ジャンの死後、彼の未亡人が1826年、刷り師のC.ノーデ(C.Naudet、active about 1800, Paris)と組んで再販を行なう。
《1816年~1826年》:ロンドンのJ.M. クリーリー(J.M.Creery、active 1816–1826,London)が1816年、ジャンのコレクションには無い6点のレンブラントを含む「200点のオリジナル・エッチング」を出版。1826年に同じくロンドンのJ.ケイ(J.Kay)が再販。

19世紀から20世紀:
《1846年~1906年》:1846年ごろ、死を前にしたジャンの未亡人がパリの銅版画家オーギュスト・ベルナール(Auguste Bernard, 1811-1868)にコレクションを売却。コレクションは1906年まで、彼と息子のミシェル(Michel Bernard)のもとにあり、《recueil》を出版し続ける。その間に、"Death of the Virgin(B-99, BB 39-A)"(註2)の原版が損傷を受けるか失われ、コピーに置き換えられた。
《1906年~1938年》:1906年、パリの収集家アルヴァン=ボーモン(Alvin-Beaumont)がベルナールの息子ミシェルから原版を購入。レンブラントの研究者であったアンドレ=シャルル・コピエなどから贋物と断言されたが、詳しい調査の結果、本物と認められた。ボーモンはレンブラントの生誕300年を記念して、ボーモン版として知られるレンブラントのエッチング集を出版し、要人や美術館に寄贈。その後、新たな刷りを不可能にするため、原版にはインクが詰められ、その上にニスが掛けられた。そして、金で装飾されたフランスの題名とともに、黒の額に入れられ、アムステルダム国立美術館版画室に7年間貸し出された。その間、ボーモンはアムステルダム国立美術館とイギリスの大英博物館(The British Museum)と原版の売却交渉を行なったが、いずれも失敗に終わる。
《1938年~1993年》:ボーモンは1938年、当時パリに住んでいたアメリカ人の友人で収集家の国際的な弁護士ロバート・リー・ハンバー博士(Robert Lee Humber)に売却、ハンバーは原版を携えて彼の故郷であるノースカロライナに帰郷し、ラーレイのノースカロライナ美術館(The North Carolina Museum of Art, Raleigh)に寄託、1970年に彼が死に、遺族がコレクションを浮け注ぐまで、30年間保管された。原版は1993年まで美術館で保管されたが、その年、ハンバーが所有していた78点の原版を遺族からロンドンのアルテミス・インターナショナル(Artémis International, London)が購入し、ロンドンでのオークションに掛けた。原版は先ずオランダの美術館の代理人にオファーされ、その後、セールが公開された。購入者はアムステルダム国立美術館(The Rijksmuseum)、レンブラントハウス(The Rembrandt House), アムステルダム歴史博物館(The Amsterdams Historisch Museum)を初めとし、パリの国立図書館(Bibliothèque nationale, Paris)やオランダ研究所(Institut Neerlandais)を含む、世界中の名立たる美術館、そして個人の収集家や業者が購入し、コレクションは世界中に分散してしまう。
《1993年~1994年》:ハンバーコレクションの内の8点は、同じ年、アルテミス・インターナショナルからセールの協力者であったニューヨークのレンブラント作品の鑑定家で業者のロバート・ライト(Robert Light)に売却された。ライトは1994年、原版をビバリーヒルズの収集家ハワード・バーガー博士(Dr.Howard Berger)に転売する。バーガーはミレニアム版を制作。
《2003年~》:2003年、パーク・ウエスト・ギャラリー(Park West Gallery)が原版とミレニアム版を購入、刷り師のエミリアーノ・ソリーニ(Emilliano Sorini)と弟子のマルジョリー・ファン・ダイク(Marjorie Van Dyke)によって新たに各2500枚刷られた。

挿入された3点の原版の所有者も、Watelet, P.F.Bazan, H.L.Bazan, Auguste Jean, Auguste and Michel Bernard, Alvin-Beaumontとなっており、アルヴァン=ボーモンの手元にあった時期(1906年~1938年)に、ボーモンの許可を得て刷られたものであるが、上に名前を挙げた人物たちの手によって修正が加えられていることは間違いない。レンブラントの生前でも既に版は磨耗しているので仕方のないことではあるが、レンブラントの版画の特徴を成す、ドライポイントによる彫線の際のまくれ(burr)が生み出す線の両脇にインクが滲んだようにみえる幅のある陰影は、どこにも見られない。

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                     『Byblis』29号(1929年春)の目次
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        目次(部分)

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Les Pèlerins d'Emmaüs/Christ at Emmaus,1654(B-87, BB 54-H:エマオの巡礼者(エマオのキリスト)
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(211x160mm→207x160mm)この作品では、生前の刷りと見比べてみると、画面上部が5mmほど切り詰めるられている。
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Le retour de l'enfant prodigue/The return of the prodigal son,1636(B-91, BB 36-D:放蕩息子の帰宅)
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(157x137mm→155x135mm))この作品では、画面上部と左端がそれぞれ2mmほど切り詰められている。
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レンブラントの版上の署名と年記(Rembrandt f.1636)
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Les mendiants à la porte d'une maison/Beggars receiving alms at a door,1648(B-176, BB 48-C:戸口で施しを受ける乞食たち)
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(165x128mm→163x124mm)こちらの作品は、画面上部が2mmほど、右端が4mmほど切り詰められ、1648年の年記の8の部分が消えてしまい、判読できなくなっている。
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三点のエッチングの刷りには、アルシュ(Arches)の透かしの入ったレイド紙(簀の目状の透し筋入り紙)が使われている。



註:
1.Les eaux-fortes authentiques de Rembrandt. La vie et l'oeuvre du Maître. La technique des pièces principales. Catalogue chronologique des eaux-fortes authentiques et des états de la main de Rembrandt. André-Charles Coppier, Firmin-Didot et Cie., Paris, 1929

2.
目録番号の《B》は、オーストリアのウィーン出身の学者で銅版画家アダム・バルチュ(Adam Bartsch, 1757-1821)が編纂した目録番号を示す:Catalogue raisonné de toutes les estampes qui forment l'oeuvre de Rembrandt, et ceux de ses principaux imitatuers. Composé par les sieurs Gersaint, Helle, Glomy et P. Yver. Nouvelle édition. Entiérement refondue, corrigée et considérablement augmentée par Adam Bartsch, 2 vols., A. Blumauer, Vienna, 1797. Le Peintre Graveur, 21 vols,1803-1821, Vienne.
目録番号の《BB》は、スウェーデン人の収集家ジョージ・ビヨルクルンド(George Biörklund, 1887-1982)とカタログ編者のOsbert H. and Barnardによって年代順に編纂された番号を示す:Rembrandt's Etchings True and False, George Biörklund/Esselte Aktiebolag, 1955. Second Edition, George Biörklund, Stockholm, 1968. Reprint of the second edition, Hacker Art Books, New York, 1988

参考文献:
●George Biörklund:Rembrandt's Etchings True and False, George Biörklund/Esselte Aktiebolag, 1955. Second Edition, George Biörklund, Stockholm, 1968. Reprint of the second edition, Hacker Art Books, New York, 1988

George Biörklund, Stockholm. Second Edition, Hacker Art Books, New York, 1988
●G.W.Nowell-Usticke:Rembrandt's Etchings, States and Values, 1967, Hacker Art Books, New York, 1988
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by galleria-iska | 2016-01-19 21:50 | その他 | Comments(0)
2016年 01月 12日

フランスの美術専門誌ビブリス「Byblis,miroir des arts de l'lvre et de l'estampe, Vol.8」(1929)

古代ローマの装飾美術や木版画に関する研究書を数多く著した美術史家で版画家のピエール・ギュスマン(Pierre Gusman, 1862-1941)によって1921年に創刊された季刊の美術専門誌『ビブリス』(Byblis,miroir des arts de l'lvre et de l'estampe)。創刊号は1921~22年の冬号で、1931年の秋冬号となる40号までの全10巻が、20世紀初頭のフランスで書籍と美術雑誌の出版を手掛けたアルベール・モランセ(Albert Marcel Morancé, 1874-1951)が設立した出版社(Éditions Albert Morancé, Paris)から刊行された。そのうちの第8巻31号(第8巻:29号~32号)の特装版100部(100 sur vélin d'Arches avec épreuves signées)には、我が長谷川潔(Kiyoshi Hasegawa,1891-1980)による署名入りの銅版画2点:メゾチント(マニエル・ノワール)の作品「サン・ポール・ド・ヴァンスの村(Village de St.Paul de Vence)」とドライポイント(ポアント・セッシュ)の作品「水より上がる水浴の女(Baigneuse sortant de l'eau)」が挿入されている。通常版500部(500 exemplaires sur papier « vélin pur fil »)には後者の無署名のものが挿入されている。
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                    ビブリス一年分4冊を収めることが出来る特製のバインダー:1929年用:302x239mm
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このメゾチントによる風景画作品は、当時のフランスでは誰一人試みる者がいなかった、17世紀オランダおいて創始され、レンブラントも試みている「細粒刻点下地」による伝統的なメゾチントではなく、長谷川がそれまでの西洋にない独自性を持って評価を受けるために編み出した、「交差線下地」という独自の技法で制作されている。長谷川は1924年にこの「交差線下地」によるメゾチントの技法を創案、25年にこの技法で制作した最初の風景画作品「プロヴァンスの古市(グラース)Site provençal(Grasse)」を発表し、メゾチントを使って純粋の風景画を制作した最初の作家としてフランス画壇での評価を得ることとなる。長谷川の初期のメゾチントは、1923年から24年にかけて制作した風景画におけるエッチング(オー・フォルト)とドライポイントによるクロス八ッチングによる中間調を意識した表現に飽き足らず、薄い布を通して見るような柔らかな調子を求めた結果、辿り着いたものであるが、それには日本的な感覚(情緒性)が大いに寄与していると思われる。この作品においても、対角線に対して平行に引かれた交差線を画面のそこここに見出すことが出来る。この作品の翌年に制作された「アレキサンドル三世橋とフランス飛行船(Pont Alexandre III et dirrigeable français)」は前期のメゾチントの代表作であり、パリで開催された第1回「航空と美術」国際展に他の銅版画数点とともに出品され、航空大臣一等賞を受賞している。

一方、ドライポイントで制作された裸婦像であるが、長谷川の裸婦の起源は古く、版画を始めて間もない1913年頃からエッチングによる裸婦を何点も制作しており、同時期、雑誌や書籍の装丁として表現主義的傾向を感じさせる躍動感のある裸体を木版画でも追求している。渡仏後、あらゆる版画技法の研鑽を重ね、三年後の1922年に、習作として、セザンヌの水浴図に想を得たであろう「三人の浴女」をエッチングとドライポイントで制作、同じ年に制作した「レダ(Léda)」では、クロス八ッチングによる陰影を試みている。この作品に関して言えば、同じ構図のものが既に1925年に制作されており、ビブリス版は、それと構図もサイズも似通っているが、細かい修正を加え再刻されたと思われる。長谷川が美の象徴としてのヴィーナスを念頭に水浴する裸婦を手掛けたのかは定かではないが、明らかに、日本人女性のような柳腰ではなく、デッサンを通して得た西洋の美の規範に則っとり、腰骨の張ったどっしりとした体躯の裸婦として描いている。1930年までの長谷川にとって裸婦は重要な主題であったようで、この作品を含め、特に水浴の女性を描いた作品を数多く残している。

雑誌名となったビブリス(Byblis)の名の由来は、オヴィディウスの『転身物語』に登場する自分の流した涙で泉に変身した太陽神アポロンの孫娘ビュブリス(ビブリス)から来ており、書物を意味するビブリオ(Biblio-)にも掛けている。

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                        ビブリス31号(1929年秋号)特装版の書影
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       目次を見ると、メゾチントの作品の題名は、Saint-Paul-du-Varと、Saint Paul de Venceの旧名が使われ、村という言葉は付いていない。一方、ドライポイントの作品については、単に「裸婦(Femme nue)」となっており、その技法はこの時期ほとんど用いていないビュラン(burin)とされている。
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表紙に添えられているヴィネット(vignette)と呼ばれる装飾用の小さな絵には、ビブリスの花とともに、出版人であったアルべール・モランセの意を受け、“フランスの書物は常に栄える”との意のラテン語の言葉《liber galliae semper florens》が添えられている。
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                           アルベール・モランセ出版のロゴ(裏表紙)
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「サン・ポール・ド・ヴァンスの村(Village de St.Paul de Vence)」
●作家:Kiyoshi Hasegawa(1891-1980)
●種類:Print
●題名:Village de St.Paul de Vence
●サイズ:Format:227x284mm(Plate mark:140x182mm)
●限定:100
●紙質:J.Perrigot Arches Special MBM
●技法:Mezzotint(Manière noire)
●発行:Éditions Albert Morancé, Paris
●制作年:1929
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水より上がる水浴の女(ビブリス版)(Baigneuse sortant de l'eau pour Byblis)
●作家:Kiyoshi Hasegawa(1891-1980)
●種類:Print
●題名:Baigneuse sortant de l'eau
●サイズ:Format:280x227mm(Plate mark:152x109mm)
●限定:100
●紙質:J.Perrigot Arches Special MBM
●技法:Drypoint(Pointe sèche)
●発行:Éditions Albert Morancé, Paris
●制作年:1929

この号とともに注目されるのは、17世紀オランダの巨匠レンブラント・ハルメンスゾーン・ファン・レイン(Rembrandt Harmensz van Rijn, 1606-1669)が手掛けた三点のエッチング(註1)の後刷り(posthumous printing)が挿入された29号(1929年春)であろうか。これについては別の機会に取り上げてみたい。



註:

1.題名は以下のとおりである:
●エマオの巡礼者(Les Pèlerins d'Emmaüs, 1654)
●放蕩息子の帰宅(Le retour de l'enfant prodigue, 1636)
●戸口で施しを受ける乞食たち(Les mendiants à la porte d'une maison, 1648)


参考文献:

『長谷川潔の全版画(Catalogue raisonné de L'œuvre gravé de Kiyoshi Hasegawa)』魚津章夫編著 玲風書房、1999年
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by galleria-iska | 2016-01-12 21:43 | その他 | Comments(0)